I Martedì Critici – Giampaolo Abbondio

Giampaolo Abbondio
Martedì 4 Febbraio 2020 ore 19.00
VISIONAREA ART SPACE
a cura di Alberto Dambruoso e Matteo Basilé

Martedì 4 febbraio ha avuto luogo il settimo appuntamento stagionale de «I Martedì Critici», gli incontri con i protagonisti della scena contemporanea organizzati dall’«Associazione Culturale I Martedì Critici», giunti al decimo anno di attività.

Tale format si colloca nel più ampio progetto Visionarea Art Space, incubatore di idee che propone e promuove progetti di artisti contemporanei nazionali e internazionali, e che si avvale fin dalla prima edizione del fondamentale sostegno del Prof. Avv. Emmanuele F. M. Emanuele e della Fondazione Cultura e Arte, ente strumentale della Fondazione Terzo Pilastro – Internazionale di cui il Prof. Emanuele è il Presidente.

La programmazione prevede la partecipazione di numerose figure di primo piano del mondo dell’arte contemporanea, attive in Italia e all’estero, in una serie di appuntamenti che si svolgeranno presso diverse sedi, dal Visionarea Art Space all’Accademia di Belle Arti di Roma..

Il tema comune del secondo ciclo di incontri stagionali sarà “il Mediterraneo”, simbolo di culture antiche e moderne, luogo di incontri e scambi, spazio di conquiste, scoperte e conoscenza. Un Mare attorno al quale sono nate e cresciute alcune tra le più importanti civiltà dell’occidente e dell’oriente di questa parte di mondo, e si sono sviluppate le caratteristiche, uniche e peculiari, delle popolazioni che l’hanno vissuto e navigato. Maestri di chiara fama ed emergenti dal riconosciuto valore professionale saranno invitati presso il Visionarea Art Space per discutere della propria arte, di significati e poetiche, ma anche di una cultura comune, quella di area mediterranea appunto, che ha influenzato e caratterizzato nei secoli la produzione artistica e culturale delle nostre terre.

Ospite del settimo appuntamento stagionale de «I Martedì Critici»
è il gallerista Giampaolo Abbondio (Milano, 1966)

Proveniente dal mondo della finanza, Responsabile del comparto Azionario Internazionale della Sicav in Symphonia, nel 2001 Giampaolo Abbondio, innamoratosi delle opere di Alighiero Boetti, decide di fondare la Galleria Pack di Milano e di vivere, da quel momento, dedicandosi all’arte e alla promozione e valorizzazione di artisti emergenti e di artisti di riconosciuta fama, italiani e internazionali.

Da un lato l’attenzione verso il corpo, nelle sue diverse rappresentazioni e manifestazioni, dall’altro la ricerca di esperienze fisiche e sensoriali attraverso installazioni di grande formato, infine l’interesse verso le nuove tecnologie e i nuovi media dell’arte contemporanea, questi i tre filoni tracciati e seguiti nel corso degli anni dalla Galleria di Milano. In costante dialogo con gli artisti, Abbondio ha curato con attenzione ogni progetto, impegnandosi nella produzione dei lavori esposti negli spazi della Galleria, seguendone ogni fase della realizzazione, fino alla ricerca dell’allestimento corretto per una fruizione ottimale di installazioni complesse e ambiziose; in continua collaborazione con curatori italiani ed esteri, ha garantito alla Galleria uno scambio culturale di respiro internazionale.

Nel 2005, la Galleria Pack ha realizzato “My Rome”, una performance corale dell’artista Zhang Huan presso i Musei Capitolini di Roma. Nel 2009, la Galleria vanta la partecipazione di tre dei suoi artisti alla 53° Edizione della Biennale di Venezia: Matteo Basilé e il duo Masbedo sono stati invitati ad esporre presso il Padiglione Italia, curato da Luca Beatrice e Beatrice Buscaroli, mentre Andrei Molodkin ha esposto al Padiglione Russo curato da Olga Sviblova.

É del 2013 la partecipazione di Marìa Magdalena Campos-Pons alla 55° Biennale di Venezia, con l’opera installativa multimediale “3+1=54+1=55. Letter of the Year” esposta presso il Padiglione Cuba. Nel 2017 l’artista ha preso parte a documenta 14, dove ha presentato ad Atene e Kassel il progetto “Matanzas Sound Map”. Nel 2017 Palazzo Collicola Arti Visive di Spoleto celebra la storia della Galleria e la figura del gallerista Giampaolo Abbondio allestendo all’interno delle proprie sale la mostra “Cortesie per gli ospiti”, un ampio progetto espositivo curato da Luigi De Ambrogi che raccoglie una selezione di opere di artisti maggiormente legati alla Galleria fin dalla sua fondazione.

Nel 2019 tre artisti italiani della Galleria, Matteo Basilé, Maurizio Cannavacciuolo e Dario Ghibaudo, sono stati invitati a partecipare alla XIII edizione della Biennale dell’Avana a Cuba, realizzando progetti inediti nei rispettivi media ed esponendoli in alcune importanti sedi istituzionali e luoghi pubblici di Matanzas, città in forte sviluppo nei pressi di L’Avana.

La Galleria di Giampaolo Abbondio ha preso parte a numerose fiere di arte contemporanea sia a livello nazionale, come Arte Fiera Bologna e Miart, e sia internazionale, come Arco (Madrid), Art Chicago (Chicago), Art Miami (Miami Beach), Art Moscow (Mosca), Beirut Art Fair (Beirut) e Art Dubai (Dubai).

In continua evoluzione, nel 2015 la Galleria si è trasferita nella sede milanese di SPAZIO|22 in viale Sabotino 22, all’interno della quale oggi condivide gli spazi con la Galleria Federico Luger (FL GALLERY). Nel settembre 2019, dopo diciannove di attività, la Galleria ha adottato il nome odierno di Galleria Giampaolo Abbondio.

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I Martedì Critici – Studio Azzurro

 

Studio Azzurro
Martedì 28 Gennaio 2020 ore 19.00
VISIONAREA ART SPACE
a cura di Alberto Dambruoso e Bruno Di Marino

Martedì 28 gennaio ha avuto luogo il sesto appuntamento stagionale de «I Martedì Critici», gli incontri con i protagonisti della scena contemporanea organizzati dall’ «Associazione Culturale I Martedì Critici», giunti al decimo anno di attività.

Tale format si colloca nel più ampio progetto Visionarea Art Space, incubatore di idee che propone e promuove progetti di artisti contemporanei nazionali e internazionali, e che si avvale fin dalla prima edizione del fondamentale sostegno del Prof. Avv. Emmanuele F. M. Emanuele e della Fondazione Cultura e Arte, ente strumentale della Fondazione Terzo Pilastro – Internazionale di cui il Prof. Emanuele è il Presidente.

La programmazione prevede la partecipazione di numerose figure di primo piano del mondo dell’arte contemporanea, attive in Italia e all’estero, in una serie di appuntamenti che si svolgeranno presso diverse sedi, dal Visionarea Art Space all’Accademia di Belle Arti di Roma..

Il tema comune del secondo ciclo di incontri stagionali sarà “il Mediterraneo”, simbolo di culture antiche e moderne, luogo di incontri e scambi, spazio di conquiste, scoperte e conoscenza. Un Mare attorno al quale sono nate e cresciute alcune tra le più importanti civiltà dell’occidente e dell’oriente di questa parte di mondo, e si sono sviluppate le caratteristiche, uniche e peculiari, delle popolazioni che l’hanno vissuto e navigato. Maestri di chiara fama ed emergenti dal riconosciuto valore professionale saranno invitati presso il Visionarea Art Space per discutere della propria arte, di significati e poetiche, ma anche di una cultura comune, quella di area mediterranea appunto, che ha influenzato e caratterizzato nei secoli la produzione artistica e culturale delle nostre terre.

Ospite del sesto appuntamento stagionale de
«I Martedì Critici» è stato Studio Azzurro

Fabio Cirifino e Leonardo Sangiorgi, fondatori di Studio Azzurro, collettivo artistico tra i più conosciuti a livello internazionale, che da quasi 40 anni opera nel campo dell’arte multimediale, ripercorreranno la loro carriera illustrando i lavori più significativi con l’ausilio di spezzoni video e slide.

Nel 1982 Fabio Cirifino, Paolo Rosa e Leonardo Sangiorgi danno vita ad un’esperienza che nel corso degli anni esplora le possibilità poetiche ed espressive delle nuove culture tecnologiche; a loro si aggiunge, dal 1995 al 2011, Stefano Roveda. Attraverso la realizzazione di videoambienti, ambienti sensibili e interattivi, percorsi museali, performance teatrali e film, disegnano un percorso artistico trasversale alle tradizionali discipline e formano un gruppo di lavoro aperto a differenti contributi e importanti collaborazioni.

La ricerca artistica, all’inizio, si orienta verso la realizzazione di videoambientazioni, in cui viene sperimentata l’integrazione tra immagine elettronica e ambiente fisico, perseguendo l’intento di rendere centrale lo spettatore e i percorsi percettivi in cui è inscritto. I videoambienti sono macchine narrative basate su uno scenario fortemente connotato, su sequenze videoregistrate di piccoli accadimenti reiterati e su una composizione di monitor, che favorisce la dissoluzione dei limiti dello schermo. Opere come Il Nuotatore (va troppo spesso ad Heidelberg) e Vedute (quel tale non sta mai fermo), in cui ricorrono gli elementi della figura umana e della natura, vengono progettate in funzione del contesto spaziale e sociale che dovrà accoglierle.
In quegli anni la produzione di diversi spettacoli, come Camera astratta (1987) – commissionato da Documenta 8 di Kassel e vincitore del Premio Ubu – spingono la ricerca dentro i confini del teatro e della performance, trovando un’originale modalità di integrazione tra azione teatrale e immagine video, con l’invenzione della doppia scena, basata sull’interazione in diretta tra il corpo dell’attore e lo spazio virtuale del video. Nello stesso periodo, con L’osservatorio nucleare del sig. Nanof (1985), prosegue l’attività cinematografica, che culmina con l’uscita nelle sale del lungometraggio Il Mnemonista (2000), viaggio nei meandri della memoria, liberamente tratto da un affascinante caso clinico, descritto da A. Lurija. Nel 1995 si delinea un nuovo e fondamentale interesse per le questioni dell’interattività e del multimediale, con la realizzazione di una serie di lavori definiti ambienti sensibili, tra cui Tavoli (Perché queste mani mi toccano?, 1995) e Coro (1995). Si tratta di ambienti che hanno la capacità di reagire alle sollecitazioni di chi li pratica, in cui la tecnologia si fonde con la narrazione e con lo spazio, dove gli effetti prodotti derivano dalle scelte e dalla presenza di più persone e i dispositivi, mediante “interfacce naturali”, reagiscono senza l’uso di protesi tecnologiche, ma attraverso modalità comunicative comuni, come il toccare, il calpestare o l’emettere suoni.
Nel 2002, a conclusione di due anni di ricerca e di viaggi, viene presentata, a Castel S. Elmo a Napoli e al Mori Art Museum di Tokyo, Meditazioni Mediterraneo, una mostra composta da cinque “paesaggi instabili”, installazioni interattive sul tema dell’identità mediterranea. Quest’opera segna l’inizio di un nuova necessità di confronto con il territorio, con la sua memoria e la sua identità, che fa convergere le sperimentazioni precedenti verso la progettazione di percorsi museali multimediali, tra cui Il Museo della Resistenza a Sarzana (2000) e il museo Montagna in Movimento (2007), a Vinadio nel Forte Albertino. Le forti componenti narrative ed immersive, l’approccio relazionale e interattivo caratterizzano questi musei come ecosistemi di conoscenza, habitat narrativi che si trasformano nel dialogo allargato con il pubblico e le comunità virtuali. Esempio paradigmatico dei musei di narrazione, è il Museo Laboratorio della Mente a Roma (2008) che affronta la questione del disagio mentale e delle sue forme di segregazione con un percorso conoscitivo ed esperienziale, attraverso il quale si dimostra l’interesse per “operazioni” oltre che “opere”, che si connettono con il tessuto sociale.

Il confronto con i valori della memoria dei luoghi e delle comunità, influenza anche il percorso artistico, facendo nascere un nuovo ciclo di opere, chiamato Portatori di storie, in cui viene sperimentata una forma di interattività che vede il visitatore coinvolto, con modalità fortemente partecipative, nella scoperta del territorio locale, attraverso il racconto dei suoi abitanti. Le prime opere di questo progetto, tuttora in corso, vengono presentate a Casablanca, con Sensible Map, alla Biennale internazionale di Santa Fe, La quarta scala e all’Expo Universale di Shanghai 2010, con Sensitive City. Mentre le due più recenti sono state In Principio (e poi) realizzata nel 2013 per la 55. Biennale d’Arte di Venezia, e Miracolo a Milano nel 2016, per la mostra retro-prospettiva di Palazzo Reale, a Milano.

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I Martedì Critici – Massimo Piersanti

Massimo Piersanti
Martedì 12 Novembre 2019 ore 18.30
Accademia di Belle Arti di Roma 
a cura di Alberto Dambruoso e Bruno Di Marino
Introduce Tiziana D’Acchille, Direttrice dell’Accademia di Belle Arti di Roma

Martedì 12 Novembre ha avuto luogo il quinto appuntamento stagionale de «I Martedì Critici», gli incontri con i protagonisti della scena contemporanea organizzati dall’«Associazione Culturale I Martedì Critici», giunti al decimo anno di attività.

La programmazione prevede la partecipazione di numerose figure di primo piano del mondo dell’arte contemporanea, attive in Italia e all’estero, in una serie di appuntamenti che si svolgeranno presso diverse sedi, dall’Accademia di Belle Arti di Roma al Visionarea Art Space di Roma.

Ospite del quinto appuntamento stagionale de «I Martedì Critici» è
Massimo Piersanti (Roma, 1939)

Massimo Piersanti nasce a Roma nel 1939. Dopo aver trascorso la giovinezza tra Napoli, Neuchatel e Londra, nel 1967 torna nella capitale per dedicarsi alla fotografia. Inizia come fotografo di architettura, matura delle esperienze nel mondo del cinema, e quindi si specializza nella fotografia pubblicitaria, lavorando per società quali General Motors, Esso, Frau, Alitalia, FIAT, Renault, Honda, Jaguar, Valtur, Motorola.
Contemporaneamente, dal 1970, comincia a documentare la scena artistica romana, divenendo il fotografo ufficiale degli Incontri Internazionali d’Arte, l’associazione animata da Graziella Leonardi Buontempo, che promuove -nella sede dello storico Palazzo Taverna, in altri spazi cittadini e successivamente anche altrove, mostre, incontri, dibattiti, con i più significativi esponenti della ricerca estetica contemporanea.
Dal 1989 fino al 1996 risiede a Barcellona, dove collabora con Gloria Moure per le mostre “all’Espai Poble nou”. Dopo il ritorno in Italia (tra Roma, Napoli e Milano) continua a seguire e a ritrarre il lavoro di maestri ancora attivi e artisti emergenti della scena artistica internazionale.

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I Martedì Critici – Ugo Nespolo

Ugo Nespolo
Martedì 5 Novembre 2019 ore 18.30
Accademia di Belle Arti di Roma 
a cura di Alberto Dambruoso, Bruno Di Marino e Lorenzo Canova
Introduce Tiziana D’Acchille, Direttrice dell’Accademia di Belle Arti di Roma

La programmazione prevede la partecipazione di numerose figure di primo piano del mondo dell’arte contemporanea, attive in Italia e all’estero, in una serie di appuntamenti che si svolgeranno presso diverse sedi, dall’Accademia di Belle Arti di Roma al Visionarea Art Space di Roma.

Ospite del quarto appuntamento stagionale de «I Martedì Critici» è
Ugo Nespolo (Mosso, 1941)

Ugo Nespolo è nato a Mosso (Biella). Laureato in Lettere Moderne all’Università di Torino e diplomato all’Accademia Albertina di Belle Arti della stessa città.

Artista versatile lavora in un ampio campo di discipline, dalla pittura al cinema, alla scultura. Nei tardi Anni Sessanta ha fatto parte della Galleria Schwarz di Milano che contava tra i suoi artisti Duchamp, Picabia, Schwitters, Arman. La sua prima mostra milanese presentata da Pierre Restany, dal titolo Macchine e Oggetti Condizionali – in qualche modo – rappresenta il clima e le innovazioni del gruppo che Germano Celant chiamerà Arte Povera. Nel 1967 è pioniere del Cinema Sperimentale Italiano a seguito dell’incontro con Jonas Mekas, P. Adams Sitney, Andy Warhol, Yōko Ono, sulla scia del New American Cinema. A Parigi Man Ray gli dona un testo per un film che Nespolo realizzerà col titolo Revolving Doors. Baj, Fontana, Pistoletto, Boetti e Merz sono fra gli interpreti dei suoi film proiettati e discussi in importanti musei tra i quali il Centre Pompidou a Parigi, la Tate Modern a Londra, la Biennale di Venezia. Una delle maggiori autorità patafisiche fonda con Baj L’Istituto Patafisico Ticinese. Nei tardi Anni Sessanta con Ben Vautier dà il via ad una serie di Concerti Fluxus, tra questi il primo concerto italiano dal titolo Les Mots et les Choses. Sicuro che la figura dell’artista non possa non essere quella di un intellettuale, studia e scrive con assiduità dei fatti e delle discipline che han da fare con l’estetica e il sistema dell’arte. Il 29 gennaio 2019 l’Università di Torino gli conferisce la Laurea Honoris Causa in Filosofia.

Ha esposto con grande intensità in gallerie e musei in Italia e nel mondo.

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Accademia di Belle Arti di Roma
Via di Ripetta 222, Roma
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I Martedì Critici – Stefano Cagol

Stefano Cagol
Martedì 22 Ottobre 2019 ore 18.30
Accademia di Belle Arti di Roma 
a cura di Alberto Dambruoso e Bruno Di Marino
Introduce Tiziana D’Acchille, Direttrice dell’Accademia di Belle Arti di Roma

Martedì 22 ottobre ha avuto luogo il terzo appuntamento stagionale de «I Martedì Critici», gli incontri con i protagonisti della scena contemporanea organizzati dall’«Associazione Culturale I Martedì Critici», giunti al decimo anno di attività.

La programmazione prevede la partecipazione di numerose figure di primo piano del mondo dell’arte contemporanea, attive in Italia e all’estero, in una serie di appuntamenti che si svolgeranno presso diverse sedi, dall’Accademia di Belle Arti di Roma al Visionarea Art Space di Roma.

Ospite del terzo appuntamento stagionale de «I Martedì Critici» è
Stefano Cagol (Trento, 1969)

Stefano Cagol nella sua ricerca affronta i cosiddetti “iper-oggetti”, ossia questioni globali come i cambiamenti climatici, le riserve energetiche, il mutamento dei confini, l’impatto dell’11 settembre, l’influenza aviaria e quella dei media. La sua pratica include video, foto, performance e installazione, attraverso mezzi sia tecnologici sia attinti direttamente dalla Natura. L’artista utilizza infatti elementi naturali come fuoco e ghiaccio e sperimenta un uso poetico di dispositivi tecnici come la termocamera a infrarossi. Il metodo di Cagol si fonda su parole chiave come disseminazione, spostamento e coinvolgimento, messe in atto nel forzare i limiti della partecipazione del pubblico e persino delle istituzioni, usando la propaganda, giocando nello spazio pubblico, includendo un processo di viaggio transnazionale nei suoi progetti.
Stefano Cagol ha studiato all’Accademia di Brera a Milano ed ha ricevuto una borsa di studio post-dottorato dal governo del Canada presso la Ryerson University di Toronto.
Tra i riconoscimenti, ha vinto l’Italian Council, il premio Visit della Innogy Foundation e il Premio Terna per l’arte contemporanea. Ha partecipato alla 14° Curitiba Bienal, 2° OFF Biennale Cairo, Manifesta 11, 55° Biennale di Venezia, 1° Xinjiang Biennale e 1° Biennale di Singapore.
Ha tenuto mostre personali al Museo MA*GA a Gallarate, Galleria Civica di Trento, CLB a Berlino, 54° Biennale di Venezia, Platform a Londra, Mart – Museo di Arte Moderna e Contemporanea di Trento e Rovereto.
Ha realizzato installazioni su larga scala al Water Light Festival a Bressanone (“ICE MELTING ICE”), sulla facciata principale della Reggia di Caserta, con l’organizzazione di Villam, da un’idea di Anita Calà, a cura di Massimo Scaringella, sulla facciata del monastero di piazza Magione a Manifesta 12 a Palermo a cura di Rikke Jørgensen e Valentina Gioia Levy, presso la sede del Ministero dell’Ambiente tedesco a Berlino per COP23 – la Conferenza delle Nazioni Unite sui cambiamenti climatici, e sulla facciata del Beursschouwburg a Bruxelles.
I suoi principali progetti sono l’imminente “The Time of the Flood” (Il tempo del diluvio) con cui ha vinto l’Italian Council nel 2019, che si svolgerà tra novembre 2019 e agosto 2020; “La forma del vento” iniziato nel 2019 con lunghi streamer flag mossi dal vento; “The Body of Energy (of the mind)” iniziato nel 2014 con un videocamera a infrarossi per rendere visibile calore ed energia, presentato presso numerose istituzioni europee, tra cui ZKM, Museum Folkwang, Kunst Halle Sankt Gallen, MAXXI, Museo Madre; “The End of the Border (of the mind)” del 2013, viaggio fino al confine artico russo-norvegese, attraversando i limiti con una linea di luce; “Power Station” (2006), progetto itinerante proposto durante l’opening della 1° Biennale di Singapore diffondendo spillette e un mix di inni di ex colonie e Stati occidentali; “Bird Flu Vogelgrippe” (2006) viaggio da Trento alla 4° Biennale di Berlino con un furgone “carico” di influenza aviaria.
Ha all’attivo la partecipazione a numerosi programmi di artist in residence, tra cui: Residency.ch (2018); AiR Kristiansand (2017); Ruhr Residence (2016); Cambridge Sustainability Residency (2016); Momentum Berlin (2015); Air Bergen (2014); Drake Arts Centre (2013); BAR International (2010); International Studio and Curatorial Program (ISCP) a New York (2010).
Le sue opere fanno parte di collezioni pubbliche tra le quali ZKM, Momentum Berlin, Haupt Stiftung, Museion, Museo MA*GA, Nomas, Mart, VAF Stiftung, Innogy Stiftung e Ministero tedesco dell’Ambiente.
A descrivere il “personaggio-artista” Stefano Cagol ed il suo metodo sarà Anita Calà, Fondatore e Direttore artistico dell’Associazione culturale Villam, che negli ultimi anni ha presentato diversi progetti dell’artista in Italia. Villam è un network in espansione che connette istituzioni, spazi espositivi, artisti, curatori, critici e diversi operatori culturali nel settore dell’arte contemporanea, in Italia e all’estero. Dal 2018 l’associazione ha organizzato performance ed incontri a Roma, è risultata fra i 9 vincitori della call di NESXT – Independent Art Festival 2018 a Torino ed ha realizzato un’ampia mostra presso La Reggia di Caserta, coinvolgendo grandi artisti contemporanei italiani ed internazionali. Recentemente ha presentato una performance al MACRO – Museo d’Arte Contemporanea di Roma ed una mostra collettiva in concomitanza con la 58a Biennale di Venezia, presso l’isola della Giudecca, mettendo a confronto artisti italiani affermati ed emergenti.

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